Imagen de: Twins Experiment

Artistas en residencia: Guías de trabajo

El programa Artistas en residencia, que depende del CA2M y La Casa Encendida, fomenta la creación y la investigación sobre lo performativo a través del cuerpo. Cada año se selecciona una serie de proyectos que se desarrollarán a lo largo de las ocho semanas de residencia.

Vinculado al programa se encuentra Acento, la serie de encuentros y presentaciones en las que los artistas tienen oportunidad, si lo desean, de mostrar su trabajo, tanto si está acabado como aún en proceso. Artistas en residencia pretende ofrecer un apoyo, en forma de tiempo y espacio, para la investigación de temas y enfoques, que los participantes pueden emplear como quieran. Los últimos seleccionados nos presentan sus proyectos.

Twins Experiment (Laura Ramírez y Ainhoa Hernández Escudero)

El proyecto

Everlasting softness es un proyecto de Twins Experiment que propone un espacio blando para ejercitar la escucha de la materia y su agencia, un espacio sensorial ficcionado donde todos los cuerpos tienen la misma importancia.

Los instrumentos

La práctica que queremos desarrollar implicará a nuestros cuerpos y su relación con materiales blandos como: masa madre, barro, slime/masa elástica, gelatina, plastilina, silicona, goma líquida, gel, poliuretano, pasta dentífrica, gomina, etc.

Elegimos estos materiales porque consideramos que su singularidad mantiene una estrecha relación con algunos conceptos centrales en nuestro trabajo como colectivo: porosidad, flexibilidad, afectación, mutabilidad, etc., y con algunas características de la sociedad actual en la que nuestras vidas tienen una condición líquida, es decir, no mantienen por mucho tiempo la misma forma. 

La intención

Nuestro colectivo está compuesto por dos chicas y la cuestión del número 3 es algo que atraviesa toda nuestra trayectoria. En esta, nuestra tercera pieza, nos interesa visibilizar la tercera cosa que se produce entre nosotras en forma de materia. 

Nos interesa crear una complicidad con los materiales. ¿Qué significa dar agencia al material y actuar con los materiales? Bajo esta premisa queremos proponer un trabajo horizontal entre todos los cuerpos implicados, humanos o no humanos.

La colaboración

Trabajamos juntas desde 2014. Juntas hacemos playlists, listas, esquemas, collages, pegatinas, clubes, piezas. Twins somos dos y somos colectivo. Trabajamos desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins nos permite tomar riesgos que no tomaríamos solas: juntas nos convertimos en superhéroes.

Aniara Rodado y Oscar Martín

El proyecto

¡Los antecedentes de Transcripciones vegetales son tantos! Pero para no hacer muy largo el cuento, podemos decir que Aniara lleva cuatro años desarrollando un proyecto que se llama Transmutación de base y que tiene que ver con la crisis ecológica actual, con la danza y con las plantas medicinales y aromáticas, con el cruce de saberes entre el arte, la ciencia, la ciencia “popular” o ancestral, las plazas de mercado, los centros de arte y las más diversas tecnologías. Oscar por su parte se interesa en temas similares, trabajando desde la creación sonora y la investigación de sistemas emergentes, simbióticos y agencias creativas no-humanas, construyendo máquinas sonoras con moho y algoritmos, simuladores de bandadas de pájaros noise y explorando las matemáticas mágicas de Gaia…

En nuestros más recientes procesos de creación/investigación juntxs o por separado, exploramos interconexiones e interdependencias, para desjerarquizar, conocer y valorar otras inteligencias, lenguajes, formas de ser, estar y de relacionarse con el entorno. Partiendo por supuesto de nuestros cuerpos totalmente atravesados por los epistemas trans/pluri/feministas, para abordar cuestiones complejas ligadas a la crisis ecológica actual, en un paisaje cada vez más estandarizado por cierto tipo de tecnologías.

Siguiendo la idea de crear “Coreografía más allá de la danza y danza, más allá del cuerpo humano”, para esta residencia proponemos un proyecto de investigación-creación-especulación que busca a través del análisis, la notación y la transmisión de los movimientos de un Eucalyptus Globulus y una Ruta graveolens, poner en juego nociones antropocéntricas heredadas y reproducidas por la danza, fácilmente identificables en los sistemas de notación (principalmente notación Laban y Benesh).

Los instrumentos

Compartimos un interés profundo por experimentar con formas que estimulen el olfato, la piel, las vísceras, los oídos, los huesos y no solo la vista. Nos interesa, tanto a nivel coreográfico como sonoro, la inducción al trance, la proximidad física con el “público” y los espacios ricos en estímulos sensoriales vehiculados por transducciones analógicas o digitales de lo que se agita al interior o en los bordes de los cuerpos, sean estos humanos o no.

La intención

Creemos que “devenir” implica transformarse en otra cosa a través de nuevas relaciones, alianzas y vínculos, mientras cambiamos nuestra forma de concebir y agenciar la existencia. Por ello, hemos escogido las plantas como la alteridad con la cual « devenir ». Intentamos con este gesto desbancar nuestra postura autoatribuida de reyes supremos de todo lo existente, una postura que inexorablemente pone en grave peligro casi cualquier tipo de vida en la Tierra, tal como la conocemos.

Asumimos esta residencia como un verdadero periodo de investigación en el cual iremos probando y configurando una serie de performances/experimentos a partir de los materiales, conceptos y otros saberes que allí emerjan. Dichos conocimientos y formas generaran eventos transdisciplinares donde involucremos cuerpos humanos (performers y público), cuerpos vegetales y dispositivos maquínicos de luz/sonido/imagen/olor. A modo de código fuente de nuestro trabajo elaboraremos durante la residencia un cuaderno de creación que dé cuenta de este proceso, y que será compatible, modificable y reproducible.

Las expectativas

Darnos tiempo para jugar y ponernos en jaque, concentrarnos y dispersarnos, movernos y quedarnos muy quietos… en fin, aprovechar al máximo ese espacio fértil y de lujo que es una residencia de investigación. También esperamos encontrarnos con gente que venga a probar con nosotrxs, a cuestionarnos… y claro, disfrutar de la efervescencia de Madrid y tomar vermut.

La colaboración

Llevamos trabajando juntxs y a intermitencias desde 2008, cuando durante el Summerlab de Laboral empezamos a jugar con visión artificial, movimiento, sonido y Pure Data. Luego de eso hicimos Fotograma Completo Principal, una pieza sobre guerra y máquinas de matar con la que ganamos un premio a la creación en danza y nuevas tecnologías en Francia. Pasamos luego a experimentar con bajas frecuencias, sonidos binaurales, transe y robots estúpidos en un proyecto sobre pornografía y censura que se llama Crímenes sin Víctimas. Mientras hacíamos eso, tallereábamos en Colombia, Suiza, España, Francia o Marruecos sobre las relaciones entre coreografía, sonido y tecnologías, que poco a poco se nos habían vuelto súper enredadas porque a veces no lográbamos identificar muy bien los roles, ni los límites físicos entre unos y otras…Tal vez por ello nuestra más reciente colaboración porta el nombre de Devenir Planta Bruja Máquina…Ahora podemos asumir que nos interesa el mutualismo.

Entendemos el arte como espacio y dispositivo de generación y transformación de imaginarios. El cuerpo/pensamiento como activador, receptáculo, agenciador, portal  de nuevos enlaces. Tal vez por ello, en este momento histórico-geológico de distopía medioambiental, se nos ha hecho cada vez más urgente una pregunta: ¿Cómo hacer artes vivas, arte sonoro o artes performativas o danza, sin que todo ello sea una oda más al antropocentrismo (cuerpos humanos hablando de seres humanos, poniendo el foco en su virtuosismo o en su exhibicionismo / representación, en sus pequeñas pasiones, en su manera de “hacer” mundo…)?

Javier Marquerie Thomas

El proyecto

Agotadas al contemplar la extensión del liderazgo conservador, al contemplar la falta de apoyo institucional hacia minorías que no encajan en la narrativa patriarcal blanco-cristiana, junto a la desaparición de la preocupación por el cambio climático, he visualizado una predicción para el futuro, donde las comunidades queer y aliadas de todo el mundo, decidimos unificarnos en busca de otro lugar donde habitar. En esta mirada hacia el futuro, el género es transgredido y el posthumanismo es ubicuo. Con admiración hacia las criaturas transgénero y hermafroditas de las zonas abisales del océano, nos uniremos a ellas para realizar una metamorfosis a la especie Extraoceanic.

El calentamiento global quizás es el ejemplo más dramático de lo que Timothy Morton llama ‘Hiperobjetos’, entidades de tal calibre temporal y espacial que sobrepasan nuestras nociones tradicionales de lo que constituye un objeto. Un hiperobjeto, no solo no es tangible, sino que no siempre tiene por qué ser físico. Me interesa mucho esta manera de concebir nuestra realidad. El no diferenciar lo conceptual de lo tangible. El plástico es el hiperobjeto que acaba siendo la causa de la extinción de la especie Extraoceanic. Al llevar años ingiriendo aquellas rocas y microfibras de plástico, acabamos mutando a seres de plástico, nuestras vidas conscientes acaban, dejando nuestros cuerpos de plástico en existencia para la eternidad. El plástico aparece en el proyecto como una entidad melancólica, un hiperobjeto que habla, que nos narra la historia desde otro punto de vista. El ser humano creó el plástico para usarlo y tirarlo, para despreciarlo. ¿Qué culpa tendrá el plástico de esto? ¿Y cómo se siente?  La voz del plástico será escrita por Joseph Craig.

Instrumentos

En este momento estoy desarrollando una serie de fotografías y vídeos que formarán parte del proyecto, sin embargo hay toda una parte de movimiento con el cuerpo que desarrollaré en esta residencia. Hasta ahora mi trabajo performativo se ha centrado en el registro, ya que mi ámbito de reflexión ha sido las maneras en las que habitamos nuestras pantallas, cómo nos presentamos y representamos en ellas en la realidad digital de la era post-internet. Sin embargo en este proyecto me gustaría trabajar en vivo. Quisiera desarrollar una serie de danzas para el rito de la metamorfosis de la especie Extraoceanic. Estas danzas estarían acompañadas por ritmos que evoquen marchas militares fascistas reinvententadas para este ritual, suprimiendo de ellas cualquier eco nacionalista o geográfico.

La intención

Quiero someter mi cuerpo a una inversión de la gravedad, buscando una nueva semántica del movimiento que entienda la gravedad de otro modo, ¿cómo se movería una miembro de la especie Extraoceanic? ¿Cómo se movería en la oscuridad? ¿Y en el agua? Quiero moverme de forma distinta, quiero moverme con un cuerpo que se reivindica en contra de la plumofobia, fruto de una falsa masculinidad impuesta por una cultura de géneros binarios. Quiero moverme con un cuerpo que busca otra manera de asimilar su entorno, con un movimiento que nunca se defina del todo, un cuerpo que refleje su falta de binarismos en su forma de movilidad.

Las expectativas

“Recuerdo cuando empezamos nuestra transición, ¡Íbamos a ser ‘sea-trans’! Íbamos a aliarnos con nuestras hermanas del océano. Nunca hubo una intención de colonizar, queríamos pertenecer, queríamos entender, reconocer y agradecer su cultura. Lo conseguimos, conseguimos esa utopía queer e inclusiva que tanto deseábamos, allí en esas oscuras zonas del mar donde no llega el sol. Fue en aquellas sombras profundas del océano donde empezamos a comprender nuestra existencia de esa manera tan visceral e hiper-conectada.”  (Una miembro de la especie Extraoceanic, 2050)

Fran MM Cabeza de Vaca y María Salgado

El proyecto

Empezamos a imaginar el mundo de Jinete Último Reino en 2013, con una pieza para oboe y dispositivo electrónico que compusimos para el Smash Ensamble, y con una conversación una noche de Ladyfest acerca de la mansedumbe, la obediencia y la desobediencia. Los referentes de esta pieza: Beth Ditto, Alexander Schubert, Jack Spicer, Gertrude Stein, M. NourbeSe Philip, Juan Gabriel, las Ni una menos.

Instrumentos

Audio y texto. Lenguaje y música. Para Jinete 2 vamos a usar, además, una pantalla, pero no de forma excesivamente visual, sino más bien gráfica. Se trata de construir algo así como un poema 3D, algo que puedas mirar y oír y atender a la vez, es decir, hacer una lectura densa. En Jinete 1 querríamos volver al asunto de la voz, la respiración y la pronunciación que ya trabajamos en 2013. 

La intención

Construir situaciones de escucha que colaboren en la conformación de comunidades de escucha y de deseo. Multiplicar el deseo de algo, una vida, más intensa, y por tanto, ¿mejor? Y más en concreto: compartir una reflexión sobre experiencias de normalización escolar y desobediencia subjetiva, o rareza. Jinete es el efecto de resistencia a la llanura.  

Las expectativas

Encontrarnos con gente de todo tipo, a ver si lo logramos. Dar un paso más allá en la investigación formal que desde 2012 llamamos audiotextual. El reto en Jinete es hacer más sonido, espacializarlo, jugárnosla con contenidos líricos que no se acobarden ante lo bien que siempre los llevaron las letras del folclore o la poesía más antigua. Profundizar en la idea de audiotexto y encontrar sus límites formales. Disfrutar. Contar una historia. 

La colaboración

Antes de conocernos no sabíamos que estábamos en las mismas preguntas, y lxs dos medio a la fuga del centro de nuestras respectivas disciplinas (música y poesía). Tras 5 años de trabajo en común, ya lo vemos esto como un proyecto para siempre, es decir, ya pensamos de a uno, con dos cuerpos y dos impulsos y al menos tres archivos (poesía, música, performance/teatro contemporáneo) y un muy fértil conflicto permanente. Sólo se piensa bien en el conflicto y hemos aprendido a discutir.

Javier Vaquero y Ohiana Altube

El proyecto

Nuestros antecedentes son nuestros cuerpos, cuerpos que han performeado la danza clásica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimiento Auténtico, el Yoga occidental, el Quiromasaje, las Danzas de Carácter, el Horton, el Body Mind Centering, el Feldenkrais, el Neoclásico, el Forshyte, el Jazz, el Aerobic, el Aurresku, las Sevillanas, el Voguing, el Cunningham, la Composición en Tiempo Real, la Danza Movimiento Terapia y la Sardana entre otros.

Instrumentos

Nuestros instrumentos son nuestros cuerpos, cuerpos que atraviesan, somatizan e integran en su práctica diaria. Cuerpos que leen y se leen. Cuerpos literarios atravesados por lenguajes, palabras y fonemas. Son cuerpos instrumento, que no instrumentalizados. 

Don Quijote y Don Quixote también son nuestros instrumentos, o al menos nuestros mantras para poder seguir practicando la danza. 

Otros instrumentos: Don Quijote (en este caso el libro como objeto), las castañuelas, las panderetas, las peinetas, las horquillas, los abanicos, los encajes, las zapatillas de ballet, las zapatillas de deporte, los suspensorios y sujetadores ajustados, las tetas, los culos, el tul, los plisados de la ropa, el gorro cordobés, el pavimento de las plazas y el color rojo, entre otros. 

La intención

Pretendemos hacer danza, decir si a la danza, hacer nuestra la danza, reivindicar el ballet. La danza ya es. La danza ya conoce. La danza ya teoriza. La danza ya enmarca. La danza agujerea en su danzar: queremos quedarnos en ella y “ser munición de su guerra”.

Las expectativas

Esperamos poco, o todo lo pretendido pero materializado más allá de estas palabras. 

La colaboración

Nos conocemos en Barcelona hacia 2008. La Poderosa/ La Porta etc. La no-danza, Jerome Bell/ Trío A son el ejemplo a seguir. La emoción parece endemoniada. La presencia tiene que ser real (¿Qué es real? ¿Quién lo dice?), comenzamos a desarticular/descomponer lo aprendido mediante las prácticas del NO: NO-demasiada emoción. NO-demasiado sujeto. NO-poco conceptual. NO-se cristaliza el gesto. NO-poco discursivo. NO-catarsis. NO-muy enunciativo. etc. Lo que de manera somático-práctica, comienza a dejar de lado muchos posibles que nuestros cuerpos albergan. Se crea una jerarquía dentro de la misma corporeidad y por ende en la danza que nuestros cuerpos pueden ejecutar.

Hoy emigramos a Madrid. Nos desplazamos. Y cuestionamos “de dónde venimos” y cómo esto ha condicionado nuestros bailares como bailarinas. Reconocemos que ahora es un momento importante. Tal vez de retomar y empujar un nuevo paradigma en la danza, desde la danza y desde las bailarinas/coreógrafas. Hay que retomar el gesto, la emoción, el símbolo, el drama… y confiar en que los años de deconstrucción profunda de nuestras corporalidades/danzas habrán dejado un poso tal en nuestros cuerpos, que harán que ese re-volver/re-tomar el gesto, drama, expresión, carácter etc., se dé desplazado, subvertido. Sin que vuelva a su normatividad originaria.

Obra de Jean-Luc Mylayne en el Palacio de Velázquez. Foto de David Benito

Irene Cantero, David Benito y Víctor Colmenero

El proyecto

Nuestro proyecto se llama En la Naturaleza. [Sobre su inspiración] David dice que tener referentes te limita. Irene y Víctor conversan sobre las cabañas de Thoreau y Unabomber, porque vieron una película de James Benning.

Los instrumentos

Palos, piedras y kéfir.

La intención

El propósito es encontrar nuevas maneras de plantear las preguntas que surgen del proyecto.

Las expectativas

Nos apetece acortar las distancias y atender a los distintos tipos de duraciones que nos ofrece el proyecto.

La colaboración

[Y qué aporta cada uno] ¡Tierra, agua, aire, fuego… corazón!

Foto de Javier Pino (Teatro Leal)

Esther Rodríguez-Barbero

El proyecto

El proyecto se llama Guided Tour. Parte de una serie de recorridos espaciales que he venido desarrollando en este último año diseñados a partir de principios coreográficos, performativos y arquitectónicos.

Instrumentos

Para diseñar estos recorridos antes realizo una serie de prácticas espaciales. Estas prácticas se componen de pequeñas acciones performativas, invisibles en muchos casos, donde los roles y límites entre audiencia-performer están desdibujados. Son ‘invisibles’ ya que se basan en acciones cotidianas sacadas de contexto.

La intención

El objetivo de estas prácticas y recorridos es poner en relación los cuerpos que las realizan con la arquitectura que lo rodea. La idea es seguir profundizando en este tipo de prácticas tomando los edificios de La Casa Encendida y el CA2M como casos de estudio. Hacer un estudio inmersivo y dejarme afectar por lo que allí esté sucediendo.

Las expectativas

Me apetece la cosa que tiene el llegar a un lugar partiendo de lo desconocido, de la nada, y darle la vuelta a cómo ese lugar se percibe. Mirar lo que hay detrás o lo que no se puede nombrar aún. Pensar tácticas para ello y compartirlas con conocidxs, extrañxs, cómplices o quizás, gentes varias que sólo pasaban por allí.

Un jurado compuesto por María Eguizábal y el equipo de Educación del CA2M, Begoña Hernández de La Casa Encendida y los artistas Aitana Cordero y Jorge Dutor seleccionaron el pasado diciembre los siete proyectos que ahora disfrutan de la residencia (Twins Experiment con Everlasting softness; Aniara Rodado y Oscar Martín conTranscripciones vegetales; Javier Marquerie Thomas con Extraoceanic; Fran MM Cabeza de Vaca y María Salgado con Jinete Último Reino; Javier Vaquero y Oihana Altube con Rojo Pandereta; Irene Cantero, David Benito y Víctor Colmenero con En la Naturaleza y Esther Rodríguez-Barbero con Guided Tour). Durante la celebración de Acento estos artistas tuvieron la ocasión de reunirse con los seleccionados de 2017.

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