Imagen de: Fotograma de "Cantos del Hain", de Federico Vladimir Strate Pezdirc y Pablo Esbert

Entrevista a Quiela Nuc

Entrevistamos a Quiela Nuc, comisaria del ciclo “Tradiciones subvertidas” que podremos ver en La Casa Encendida desde el 18 al 27 de septiembre, y que ofrece, a través de proyecciones y coloquios, una nueva visión del cine etnográfico. La comercialización de la cultura maya, las religiones organizadas o la sexualidad construida por el colonialismo se analizan a través de proyecciones y coloquios que cuestionan el discurso científico y mediático sobre el que se ha construido históricamente el cine etnográfico.

Las obras que componen el ciclo huyen de una tradición monolítica sobre la que se venía construyendo el cine etnográfico. ¿Qué estrategias caracterizan a esta etnografía propia que recoge Tradiciones subvertidas y qué ponen en cuestión?

Las obras que componen el ciclo huyen de una tradición monolítica sobre la que se venía construyendo el cine etnográfico. ¿Qué estrategias caracterizan a esta etnografía propia que recoge Tradiciones subvertidas y qué ponen en cuestión?

Se trata de una etnografía crítica y situada, una aproximación a la cultura (propia o ajena) desde el reconocimiento y la subjetividad explícita de sus autorxs. La distinción tradicional entre sujeto y objeto de estudio, entre el yo y lo(s) otro(s), desaparece. El discurso unívoco, colonial, patriarcal y condescendiente propio del cine etnográfico primigenio da paso a lo fragmentario, a la duda, a la reflexión y creación colaborativa sobre la identidad y el entorno.

¿Qué papel juegan las estéticas de un internet postcapitalista en este nuevo cine? En This is presence o Cantos del Hain encontramos una fuerte presencia de estas.

¿Qué papel juegan las estéticas de un internet postcapitalista en este nuevo cine? En This is presence o Cantos del Hain encontramos una fuerte presencia de estas.

Si en los noventa la aparición y entrada del vídeo en el ámbito doméstico supuso un cambio de paradigma a la hora de crear imágenes (auge de este cambio, para mí, es la maravillosa Tarnation de Jonathan Caouette); a mediados de los dosmil internet va a romper el audiovisual en mil pedazos. Se trata de una ruptura estética y narrativa al mismo tiempo, y diversa, muy diversa, tanto como variada es la tripleuvedoble.
En el mainstream, tenemos ejemplos excesivos como Spring Breakers (Harmony Korine: 2012), una película-tumblr repleta de unicornios, dentaduras doradas y colores florescentes (homenaje a Britney Spears incluido, reina de los memes e ídola millennial). Aunque lo que más me interesa del film de Korine es su estructura centrífuga, su cadencia etérea y reiterativa me lleva inevitablemente a ese sentir agradable e hipnótico del scrolleo.

Spring break, Spring break, Forever.

En el ámbito del audiovisual más próximo a los circuitos de distribución artísticos -es decir, aquel que suele proyectarse en galerías, museos y festivales especializados-, la contaminación de internet en la forma es más explícita en muchas de las ocasiones: se deja ver el pixel y el glitch; las capturas de pantalla ponen en escena la acción; la pintura verde croma cubre los cuerpos, escribiéndose en ellos imágenes digitales que colisionan tiempos y espacios. En cuanto al contenido, existe un compromiso político de evidenciar el corporativismo y las estructuras de poder que gobiernan la internet-vida (This is presence), así como un deseo de apropiarse del error como elemento discursivo (Cantos del Hain). Este internet postcapitalista del que hablamos no se trata únicamente de un contenido/código generado y consumido online, este internet es ahora todo, es un sistema de conocimiento, una experiencia, que ordena nuestra relación con otras personas, con nuestro entorno, con el mundo y, sobre todo, con nosotrxs mismxs.

En su intento de resquebrajar la linealidad dominante de la Historia, la nueva etnografía da especial importancia a los sujetos queer. En la trilogía Nefandus de Carlos Motta y en My Babushka: Searching Ukrainian Identities, de Barbara Hammer encontramos cuerpos que desbordan lo normativo. ¿Cómo reescriben la historia?

En su intento de resquebrajar la linealidad dominante de la Historia, la nueva etnografía da especial importancia a los sujetos queer. En la trilogía Nefandus de Carlos Motta y en My Babushka: Searching Ukrainian Identities, de Barbara Hammer encontramos cuerpos que desbordan lo normativo. ¿Cómo reescriben la historia?

El Cine y la Historia, ambos con mayúscula, han sido y son herramientas legitimadoras y estabilizadoras de la Verdad (mayúsculas de nuevo). Una Verdad totalizante narrada por los vencedores (aka hombres blancos heterosexuales de clase media para arriba). Barbara Hammer y Carlos Motta, -en tanto que sujetos sexualmente disidentes y, en el caso de Motta, racializado-, construyen contranarrativas situadas desplazando el lugar de enunciación hegemónico, reapropiándoselo y resignificándolo. Algunas de las estrategias de reescritura que emplean son la hibridación -tanto en forma como en contenido- frente a relatos dicotómicos y excluyentes; el relato en primera persona en el caso de Hammer y el mashup de textos en la trilogía de Motta; así como el rechazo a una narrativa lineal canónica, presentándose ambas obras como momentos de vida o relatos de historia no contados.

El Mindfullness dice tener sus raíces en el budismo y reivindica la capacidad de estar (o saber estar) en el presente. Nos encontramos ante una práctica de meditación totalmente blanqueada, una reapropiación cultural que también se materializa en sesiones de coaching, peeling y spas premiums. This is presence, de Institute for New Feeling, representa un caso extremo de apropiación cultural que se pone en ridículo a sí mismo. ¿Cómo se aborda este tema en Pardes (Orchard)? ¿Qué tensiones desprende este film de Yael Bartana?

El Mindfullness dice tener sus raíces en el budismo y reivindica la capacidad de estar (o saber estar) en el presente. Nos encontramos ante una práctica de meditación totalmente blanqueada, una reapropiación cultural que también se materializa en sesiones de coaching, peeling y spas premiums. This is presence, de Institute for New Feeling, representa un caso extremo de apropiación cultural que se pone en ridículo a sí mismo. ¿Cómo se aborda este tema en Pardes (Orchard)? ¿Qué tensiones desprende este film de Yael Bartana?

Ambas películas, This is presence y Pardes (Orchard), abordan el malestar del sujeto en el turbocapitalismo y cómo el sistema pone a su alcance todo tipo de servicios para la recomposición matérica del cuerpo destinada a una mayor productividad. Las experiencias de transformación de una persona que generalmente van ligadas a un contexto sociocultural específico, ya sea una clase de yoga o la ingesta de ayahuasca, se vacían de todo contenido espiritual y comunitario, convirtiéndose en un bien de consumo individual. Todo se turistiza y encaja en una smartbox. Ifnf acude a la ironía y se reapropia del lenguaje corporativo imperante en las redes sociales para desautomatizar el wellness, mientras que Bartana apuesta por un cine observacional situando al espectador/a en un nivel de vulnerabilidad elevado al estar huérfanx de contexto durante dos tercios de la película.

Uno de los personajes de Ciudad Maya de Andrés Padilla, dice: “Pensábamos que la única forma en que una cultura perdura es a través de sus imágenes”. ¿Cómo se trata la iconografía en el cine etnográfico más hegemónico y que nueva posición adquiere con obras como la de Andrés Padilla, SAINTS´ GAME de Amélie Derlon o Cantos del Hain de Federico Vladimir Strate Pezdirc y Pablo Esbert?

Uno de los personajes de Ciudad Maya de Andrés Padilla, dice: “Pensábamos que la única forma en que una cultura perdura es a través de sus imágenes”. ¿Cómo se trata la iconografía en el cine etnográfico más hegemónico y que nueva posición adquiere con obras como la de Andrés Padilla, SAINTS´ GAME de Amélie Derlon o Cantos del Hain de Federico Vladimir Strate Pezdirc y Pablo Esbert?

En el cine etnográfico más hegemónico, la iconografía, al igual que otros repertorios como danzas, cantos y rituales, se exotiza y relega a la otredad. Una voz en off la describe de manera perversa imponiendo su significado, casi todas las veces opuesto a la moral, religión o “naturaleza” del narrador.
Las obras mencionadas se aproximan a la iconografía sin someterla, la rompen y la reconstruyen a través de diversas estrategias como el reenactment, el mashup y la ciencia ficción para reflexionar sobre las estructuras de poder insertas en su concepción e interpretación.

Quiela Nuc (Madrid, 1990) es artista, curadora, docente y parte de nucbeade.

Su trabajo, tanto individual como en colectivo, transita entre el documental, la performance y la ficción especulativa. Aborda la identidad desde perspectivas muy diversas pero siempre subversivas e inscritas en los márgenes del neoliberalismo feroz, antropocentrado y heteropatriarcal.

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